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Aug 23, 2023

El arte de la reinvención: cómo los artistas evitan ser encasillados

“No me encasilles, amigo”, le dice Super Hans a Jez durante la popular comedia Peep Show mientras la pareja se prepara para salir a la carretera. A pesar de todos los parámetros cómicos y ficticios de esta escena, da en el clavo.

“No me encasilles, amigo”, le dice Super Hans a Jez durante la popular comedia Peep Show mientras la pareja se prepara para salir a la carretera. A pesar de todos los parámetros cómicos y ficticios de esta escena, da en el clavo. Ningún músico que se precie quiere ser encasillado. Desde hace un tiempo, los músicos de todo tipo han rechazado que los fanáticos y los medios los encasillen, ya que hacerlo admitiría la derrota y que son lo que nadie quiere ser: unidimensionales y supuestamente, por lo tanto, aburridos. Sin embargo, a pesar de todo este temor a que el mérito creativo se vea disminuido por la simple etiqueta de género o una definición de estilo específico, unos pocos elegidos a lo largo de los años han demostrado que se puede evitar el encasillamiento. Si bien existen varios métodos para evitar que lo metan en un tanque de cloro metafórico como Shamu, estos son maestros en una de las formas más famosas de hacerlo: el arte de la reinvención. Mucha gente ha logrado metamorfosearse y hoy utilizamos tres de los mejores ejemplos: David Bowie, Talk Talk y Arctic Monkeys.

No hay duda de que David Bowie fue el cambiaformas definitivo de la música popular. Un camaleón creativo que mantuvo a todos alerta, su historia es famosa. Comenzó su carrera como el olvidable Davie Jones en una era en la que todos los artistas intentaban ser una estrella, sus primeros esfuerzos musicales en esta forma y luego como un joven David Bowie no fueron más que un completo y objetivo fracaso. Antes de que llegara su álbum debut en 1967, el nativo de Brixton había lanzado seis sencillos sin éxito en una mezcla de proyectos como solista y en numerosas bandas. Un factor que caracteriza este capítulo es que luchó por encontrar una dirección creativa tangible.

Después de numerosos fracasos a la hora de introducir su carrera en la corriente principal, el manager de Bowie, Kenneth Pitt, encargó la película promocional Love You hasta el martes. Fue un truco de relaciones públicas diseñado para mostrar los talentos del artista de 22 años y hacer correr la voz a una audiencia mucho mayor. Demostrando el genio que siempre tuvo Bowie, ahora que le dieron un tema para interpretar, fue para la película que Bowie escribió su primer éxito, 'Space Oddity', un tema que ahora se considera uno de sus éxitos definitivos. Aunque Love You Until Tuesday no se lanzó hasta 1984 debido a una falta de interés, el proyecto inspiró a Bowie lo suficiente como para escribir la canción que le daría una base en la conversación cultural y demostraría que no era una causa perdida.

En abril de 1969, Bowie conoció a Angele Barnett y la pareja se casó al año. Ampliamente acreditado por haber cambiado su estética, fue Barnett quien introdujo a su marido en la escena floreciente más emocionante de la época: el glam rock. Esta resultó ser otra pieza del rompecabezas para David Bowie. Tras el éxito de 'Space Oddity', que alcanzó el número cinco en Reino Unido, Bowie estaba preparado para dar el siguiente paso. Ahora sentía que le faltaba una banda “para tocar y grabar, gente con la que pudiera identificarse personalmente”.

En consecuencia, Bowie formó un grupo. Conocida como The Hype, la banda contaba con Mick Ronson a la guitarra eléctrica, Tony Visconti al bajo y John Cambridge a la batería. El cuarteto también tenía un concepto estilístico y creó disfraces y personajes para acompañar la música. Al poco tiempo, Cambridge se marchó después de una discusión con Bowie y fue reemplazado por Mick 'Woody' Woodmansey. El grupo grabó el tercer álbum de Bowie, The Man Who Sold the World, que se lanzó en 1970. Con la aclamada canción principal, vio a Bowie avanzar más hacia su futuro, sentando algunas de las bases para The Rise and Fall of Ziggy Stardust de 1972 y the Spiders from Mars, que sería su verdadero avance y el álbum sería ampliamente considerado su obra maestra definitiva.

Mientras estaba de gira con The Man Who Sold the World y su sucesor, Hunky Dory de 1971, Bowie construyó el concepto del personaje de Ziggy Stardust fusionando el personaje de Iggy Pop de la era de los Stooges con la música de Lou Reed, a quien describió como "el ídolo pop definitivo". ”. Hunky Dory también fue testigo de la entrada del bajista Trevor Bolder, y después del cambio del disco hacia un estilo de rock más artístico, todo estaba en su lugar para Ziggy Stardust. El grupo también cambió su nombre a 'The Spiders from Mars', un título muy glam-rock.

El David Bowie que hoy conocemos llegó de manera rotunda con su disco de 1972. Inició una carrera estelar que lo vio metamorfosearse constantemente y asombrar a todos los que lo observaban. Después de este éxito, Bowie encontró su lugar creativo y se vio reforzado por la habilidad de su banda, sin mencionar al guitarrista Mick Ronson, con quien formó una asociación formidable, y lanzó en 1973 su siguiente álbum, más oscuro y orientado al jazz, Aladdin Sane, que fue reforzado por la experiencia del pianista Mike Garson.

La fórmula de tratar siempre de desarrollar y aprovechar los talentos de los demás resultó ser trascendental para Bowie, ya que constantemente logró evitar ser encasillado. Más tarde, trabajó con John Lennon en el éxito 'Fame' de Young Americans de 1975, Brian Eno y Tony Visconti en la 'Berlin Trilogy' de álbumes de finales de los 70, Chuck Hammer, Robert Fripp y Pete Townshend en Scary Monsters de 1980. y, por supuesto, Nile Rodgers, Bernard Edwards y Stevie Ray Vaughan en su álbum más vendido, Let's Dance.

En los álbumes antes mencionados, Bowie pasó del glam rock al jazz, al soul de ojos azules, luego al krautrock y a áreas inspiradas en el ambient, todo hasta que encontró fama mundial con una mezcla de disco-pop en Let's Dance. Esto también fue sólo la punta del iceberg; Al londinense todavía le quedaba gran parte de su metamorfosis creativa por delante. Los géneros industrial, experimental y de danza surgirían en el futuro.

Como demostró Bowie, aprovechar las obras de otros y tratar constantemente de progresar artísticamente pueden ser claves para impulsar la reinvención artística y evitar ser encasillados cuando se hace correctamente.

Siguiendo la primera exposición, tenemos el caso de la banda británica Talk Talk. Formado en 1981, el grupo estaba dirigido por el líder Mark Hollis y completado por el bajista Paul Webb y el baterista Lee Harris. Un acto de synth-pop cuando surgieron, obtuvieron éxitos en las listas con 'Talk Talk', 'It's My Life' y 'Such a Shame' en la primera mitad de la década. Sin embargo, en un golpe maestro, poco a poco se fueron alejando del área que les había valido un considerable éxito comercial. Talk Talk se volvió mucho más experimental, informado por un enfoque de jazz e improvisación libre desde mediados de la década de 1980 en adelante.

Hollis y la banda fueron pioneros en el género que se conocería como post-rock a partir de su tercer álbum, Laughing Stock de 1985, y después de ese momento, su producción se volvió cada vez más artística. Lanzaron su cuarto álbum, Spirit of Eden, en 1988, que presenta el indomable 'I Believe in You'. Sin embargo, aunque su predecesor se vendió bien a pesar del cambio, Spirit of Eden no lo hizo, a pesar de haber sido aclamado por la crítica. El último álbum de la banda, Laughing Stock de 1991, siguió este camino más allá, y el ingeniero Phill Brown afirmó que el LP, al igual que su predecesor, fue "grabado por casualidad, accidente y horas de intentar todas las ideas posibles de sobregrabación". En resumen, Talk Talk lo hacía por sí mismos y por nadie más.

Poco después de lanzar Laughing Stock, Talk Talk se separó. Mark Hollis lanzó un álbum solista en solitario en 1998 y luego se retiró de la industria musical, y poco se habló de él en los medios hasta que falleció en 2019. Si bien la muerte de Hollis siempre será desgarradora, dejó un tremendo legado con su banda. Rechazando la tradición, después de disfrutar del éxito de sus primeros años, Talk Talk hizo lo que parece un anatema para muchos músicos: renunciar a la viabilidad comercial en favor de la credibilidad artística.

Este arco sigue siendo uno de los más fascinantes de la música, y aunque canciones como 'It's My Life' son lo más destacado de su época, los últimos tres álbumes de Talk Talk son simplemente inmejorables. Como era de esperar, son citados como héroes por una amplia gama de artistas, incluidos Pearl Jam, Radiohead, The Mars Volta, No Doubt, Placebo, Doves e incluso el supergrupo de metal Storm Corrosion. Tal vez el rechazo definitivo a verse acorralado por una etiqueta, es un reflejo del triunfo de Mark Hollis y Talk Talk de que su música es totalmente incuantificable por un género, incluso el del post-rock, y se los describe mejor por su nombre en lo que es Sin duda una de sus máximas hazañas. Aún así, ni siquiera eso explica la majestuosidad de su sonido.

Por último, y aportando un ángulo contemporáneo, tenemos Arctic Monkeys. Aparentemente una banda de rock, el conjunto de Sheffield es uno de los grupos más consistentes que trabajan hoy en día, manteniendo un grado notablemente alto de calidad artística al tiempo que siempre presenta algún tipo de cambio en su sonido. No sólo han conseguido hacerlo de forma consecutiva, sino que los Arctic Monkeys también han disfrutado de un gran éxito creativo y crítico gracias a ello, facilitando su habilidad colectiva, que naturalmente aumenta con la experiencia.

Su primer álbum, Which People Say I Am, That's What I'm Not, de 2006, es una obra maestra del indie rock, que captura su ciudad natal al final de la Gran Bretaña de Tony Blair. Su sucesor del año siguiente, Favourite Worst Nightmare, vio a la banda refinar su sonido, volviéndose más expansivo, con las letras y la composición del líder Alex Turner subiendo de nivel, y su repertorio instrumental aumentó para incluir teclados y un sonido general más dinámico.

Su tercer álbum, Humbug de 2009, vio a la banda dejarse crecer el cabello y mudarse al desierto del sur de California para unirse con el líder de Queens of the Stone Age, Josh Homme, quien coprodujo un disco que los vio tocar la psicodelia y el rock fumeta. En el cuarto álbum de 2011, Suck It and See, el cuarteto exploró más a fondo los sonidos estadounidenses con los que habían jugado de forma más forense. Produjo paletas más azucaradas que nunca, lo que vino con otra transformación estética.

En 2013, la banda regresó con su trabajo de mayor éxito comercial, AM, un trabajo arrogante y centrado en el hard rock en el que Turner y la banda lucían tupés y chaquetas de cuero. Después de este éxito, Arctic Monkeys se quedó en silencio durante un período prolongado mientras exploraban otras áreas, y Turner lanzó el segundo álbum con su proyecto paralelo y el de Miles Kane, The Last Shadow Puppets.

Cuando regresaron con Tranquility Base Hotel & Casino en 2018, las cosas habían cambiado significativamente nuevamente para Arctic Monkeys. Su sexto álbum es una deslumbrante obra maestra del art-rock, que toca el glam rock, el lounge pop y las bandas sonoras de las películas de la década de 1960, en las que la banda realizó plenamente la visión cinematográfica de la que siempre habían insinuado. Ahora mayores y con una gran experiencia a sus espaldas, esta versión completamente adulta del grupo no podría haber estado más lejos de los adolescentes con manchas que capturaron la imaginación de la nación con historias de paradas de taxis, hombres asquerosos y amores jóvenes.

Ahora, con Alex Turner prácticamente fijo detrás del teclado, a finales de 2022 lanzaron su álbum más reciente, The Car, que continuó algunos de los temas estilísticos del lanzamiento de 2018 pero con diferencias. Por supuesto, las majestuosas secciones orquestales están ahí, al igual que la nueva predilección de Turner por el canturreo. Aún así, esta vez, se apoderó de una corriente subyacente más funky, con sus claros guiños al hip-hop también presentes, otro cambio creativo convincente. Surge la pregunta de adónde irán a continuación.

Ahí lo tienes. Si bien la reinvención artística es un arte en sí misma, cuando se realiza adecuadamente puede dar muchos frutos, con el mínimo riesgo de quedar encasillada. Esto se puede hacer de muchas maneras, aprovechando las habilidades de otros, buscando crear arte de valor cultural genuino, o por el hecho de que es bastante aburrido crear el mismo producto repetidamente. Cuando se toman en conjunto, estos aspectos pueden ser fundamentales para que un músico trascienda el espíritu de la época y recorra su propio camino distintivo, que los fanáticos siguen con gusto, esperando ansiosamente la siguiente parada.